Brokadbilder. Japanska träsnitt
TEMATEXT
Genom trycktekniken träsnitt kunde information, litteratur och konst enkelt och billigt spridas till många människor till skillnad från exklusiva, dyrbara målningar och skärmar. Tekniken att på papper kunna massproducera text och bild är ursprungligen kinesisk. Med anor i 800-talet var träsnittstekniken ett sätt att publicera buddhistiska texter och bilder. På sent 1600-tal började tillverkningen av världsliga, illustrerade böcker blomstra i Japan parallellt med medelklassens framväxt. Tryck med färg utvecklades under mitten av 1700-talet.
De flesta böcker och bilder publicerades av förläggare som bekostade produktionen. Förläggarna gav konstnärer i uppdrag att teckna motiv och anställde träskärare och tryckare. Ett träsnitt är därför oftast ett resultat av ett specialiserat samarbete. Teckningen gjordes på ett mycket tunt och starkt papper. Den färdiga bilden trycktes på ett tjockare papper av mullbärsbark.
Japanska träsnitt har blivit kända för sin rika bildvärld. De revolutionerade den europeiska konstens utveckling för nästan 150 år sedan genom sina linjer, färger och plana ytor.
Montertext
Användare, motiv och stil
De flesta träsnitt var framförallt bilder som användes i vardagen, jämförbara med affischkonst. Vad gäller pris, motiv, stil och publik var flertalet träsnitt folkets bilder, men det fanns exklusiva undantag, så kallade surimono, som enbart gjordes för en mindre krets. Vi visar här några exempel på dessa. Majoriteten av alla träsnitt var dock billiga i inköp. Många bilder kunde köpas till priset av en skål nudelsoppa.
Bland de mest kända motiven är bilder från ”den flytande världen”. Dessa avbildar ofta dåtidens idoler inom skådespeleri och annan underhållning liksom uppburna geishor och högrankade prostituerade (kurtisaner). Andra träsnitt visar exempelvis vardagen, erotik, strider, landskap, städer, djur och natur. Bildspråket är oftast idealiserat och stiliserat. Det finns hundratals träsnittskonstnärer och träsnittskonsten fortsätter in i våra dagar.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
; Surimono
Surimono betyder ”tryckt sak” och är träsnitt avsedda för en mindre krets. Förmögna personer bekostade små upplagor av träsnitt som ofta användes som nyårshälsningar, gåvor och för speciella händelser. En del surimono var avsedda att användas i poesiklubbar. Surimono-bilder var som mest populära under första hälften av 1800-talet och spreds vanligtvis inte till den breda allmänheten. Både papper, pigment och tryck var av högsta kvalitet. Motiven varierar, men kännetecknas av just sin höga kvalitet, detaljrikedom och att bilderna ofta har längre texter. Texterna kan idag kan vara svårtolkade eftersom bilden gjordes för ett specifikt sammanhang, som kan likna en rebus.
Nyare tryck
Träsnittskonsten upphörde inte då Japan bröt sin isolering 1868 och moderniserades. I viss mån fortsatte bilder liknande den flytande världens träsnitt att göras. Dessutom utvecklades två särskilda kategorier av träsnitt under 1900-talet. Inom kategorin ”nya tryck” gjordes bilden som förr, i ett samarbete mellan flera personer. I kategorin ”kreativa tryck” görs hela tryckprocessen istället av konstnären själv. ”Nya tryck” är ofta poetiska och stiliserade med inslag av västerländsk realism och gjordes från ca 1915, medan ”kreativa tryck” uppvisar tydliga intryck av sin tids globala modernistiska konst från 1950-talet och framåt. En del konstnärer var skolade i västerländska konsttekniker och arbetar ibland med västerländsk grafisk teknik. Flera har fått stora framgångar i utlandet, särskilt i Amerika.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
; Topics/montertexter
Vardag
Många träsnitt skildrar människors vardag, där både vuxna och barn syns i olika göromål. Människan är i fokus där de arbetande, badande eller lekande skildras inomhus eller utomhus. En särskild bildtyp är mödrar med sina barn.
Gränsdragningen mot bilder från ”den flytande världen” liksom landskapsbilder är svår att göra eftersom även dessa bildtyper ofta skildrar vardagen. I träsnitt med vardagsmotiv kan finnas inslag av mer verklighetstrogen avbildning. Genom att betrakta dessa bilder kan vi få en spännande och lärorik inblick i vardagslivet så som det tedde sig under äldre tider i Japan.
Den flytande världen
Begreppet den flytande världen (ukiyo) var ursprungligen från den medeltida buddhismen och betydde ungefär den opålitliga och smärtsamma värld som vi lever i. Ordet ändrade innebörd på sent 1600-tal till att tolkas mer som ett sätt att njuta av den korta tid vi har på jorden. Flertalet bilder från ”den flytande världen” visar bildtypen vackra kvinnor (bijin-ga) och skådespelare inom den folkliga kabuki-teatern liksom andra motiv med koppling till livet i de stora bordellkvarteren i städerna. Bilderna var idolbilder av dåtidens stjärnor, ofta namngivna. Idolerna avbildas i sin gärning utifrån sitt utseende och sin klädsel. Variationen är stor, till exempel när det gäller att framställa olika tiders kvinnoideal. Alla kabuki-skådespelare var sedan 1630-talet män.
Stad och natur
Bilder av natur och landskap, med eller utan stadsmiljö, växte fram under 1830-talet och blev omåttligt populära liksom motiv som blommor med en lång historia inom måleriet. Många landskapsbilder såldes i tusentals exemplar. Bilderna föreställer ofta verkliga platser tolkade genom konstnärens sinne. Valet av bildvinklar, beskurna motiv och komposition upplevs av många som modernt.
Efter att under lång tid ha begränsat befolkningens rörelsefrihet blev det runt 1800 mer tillåtet att resa runt, särskilt om en hade ärende som religiös pilgrim. Vägnätet var bra och turismen började ta fart. För de flesta skedde resan till fots, bara samurajer kunde kosta på sig häst eller bärstol. Fanns inte ekonomi till att resa kunde en bild fungera som en liten ersättning.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
; Battle
In older woodblock printing, there is a category of warrior and battle motifs. These depict historical events, since Japan enjoyed a legendary era of peace during the Edo period (1615–1868). Some of the motifs were taken from famous 12th century battles – battles which had only grown more famous through written narratives. Some prints depict individual samurais.
Japan underwent enormous changes during the second half of the 19th century, finishing the century at war, first with China and then with Russia. Several artists therefore produced thousands of woodblock prints, both as part of the news reports and functioning as propaganda. A common feature of both the older and the newer images is celebration of the warrior.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
; City and nature
Images of nature and landscapes, with or without urban elements, began to appear in the 1830s and become hugely popular. The same is true of floral motifs, which have a long history in painting. Many landscapes sold thousands of copies. The images often depict real places interpreted through the temperament of an artist. The choice of angle of view, the cropping of the motifs and the composition feel contemporary to many.
The people’s freedom of movement was long restricted, but around 1800, travel became freer. This applied especially to pilgrims. The roads were good and tourism took off. Most people travelled on foot; only samurais could afford the expense of a horse or litter. And if one couldn’t afford to travel, a picture might serve as some small compensation.
Surimono
Surimono means “printed thing”, and is a woodblock print intended for a more exclusive audience. Wealthy people paid for small editions of woodblocks which were often used as New Year’s cards, presents or favours for special occasions. Some surimono were intended for use in poetry societies. Surimono were most popular during the first half of the 19th century, and were not generally distributed to the public at large. The paper, pigment and printing were all of the highest quality. Motifs vary, but are typified by their high quality, richness of detail and often lengthy accompanying texts. The texts can be difficult to interpret today, since the images were produced for specific occasions and may seem like a rebus.
Later print movements
Woodblock art did not disappear when Japan broke its isolation in 1868 and modernised. Images similar to the “floating worlds” prints continued to be created to some extent. In addition, two special categories of woodblock print began to be produced in the 20th century. In the “new prints” movement, images were produced the same way as before, through the cooperation of several people. In the “creative prints” movement, the entire process was carried out by a single artist. “New prints” are often poetic and stylised, with elements of Western realism. They were produced starting around 1915. “Creative prints” show a clear influence of global modernist art of their era, from the 1950s on. Some of the artists are trained in Western art techniques and some in Western graphics. Many have enjoyed great success abroad, especially in the US.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
; IMAGE, DECORATION AND FUNCTION 颜色与装饰
Here you will encounter a selection of the vast diversity of East Asian objects in which paper is the common denominator. Explore a wealth of two-dimensional images (woodblock prints) as well as practical items such as toilet paper and packaging. Discover the impressive, decorative patterned paper on our walls, inspired by Japanese sliding screens. The wide variety of idioms, appearances and functions offer proof of the versatility of paper.
Through the lens of paper, we see reflected the needs, pleasure in colours and wealth of imagination of humanity. Paper is used for the living and the dead, to protect and enclose, in day-to-day life and in celebrations. The common threads are design, colour and function.
We hope you will be inspired, and see what can be done with paper through new eyes.
Brocade images – Japanese woodblock printing
With woodblock printing, information, literature and art could be distributed cheaply and easily to large numbers of people, in contrast to exclusive, expensive paintings and screens. The technique which originally enabled mass production of words and images was Chinese. With roots stretching back to the 9th century, woodblock printing was a way of publishing Buddhist words and images. By the late 17th century, as the middle class grew, production of secular illustrated books exploded in Japan. Colour printing was developed in the mid-1700s.
Most books and images were put out by publishers who covered the costs of production. The publishers commissioned an artist to do drawings and hired woodcutters and printers. A woodblock print is typically the result of many specialists cooperating. The drawing would be done on very thin, strong paper. The finished picture was printed on thicker paper made of mulberry bark.
Japanese woodblock prints gained a reputation for their vivid visual idiom. They revolutionised European art almost 150 years ago with their lines, colours and surfaces.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
; Users, motifs and styles
Most woodblock print images were employed in everyday situations, more or less like posters. In terms of price, motifs, style and audience, most such prints were made for the common people, but there were exceptions, surimono, produced only for a small, exclusive audience. The vast majority of woodblock prints were inexpensive, however, and could be bought for the price of a bowl of noodle soup.
Among the best known motifs are prints from the “floating world”. These often depict stage idols of the day, or other entertainers such as esteemed geishas and high-ranking courtesans. Other woodblock prints depict everyday life, erotic scenes, landscapes, cities, animals and nature. The idiom is typically idealised and stylised. There are hundreds of woodblock printmakers, and the art remains vital today.
Everyday life
Many woodblock prints tell stories about everyday life, with both adults and children involved in activities. The focus is on people as they work, bathe or play, indoors or out. Mothers with children are a category of their own.
It is difficult to draw a clear distinction between the category of everyday images and the “floating world” and landscape categories, since the latter often depict everyday life, too. Woodblock prints of everyday life often have elements of relatively more realistic depiction. Looking at them provides an exciting and instructive insight into daily life in Japan in the distant past.
The floating world
The concept of the floating world (ukiyo) originally comes from medieval Buddhism and referred loosely to the unreliable, painful world we live in. The word’s meaning shifted in the late 17th century to focus more on a way of enjoying the short time we have on Earth. Many prints of the “floating world” depict images of beautiful women (bijin-ga) and actors in the popular kabuki theatre, as well as other motifs associated with life in the cities’ large red-light districts. They were pin-up posters of the stars of the day, who were often identified by name and are characterised through their appearance and clothes.
There is much variation in areas such as how the feminine ideals of different eras were depicted. All the kabuki players were men starting in the 1630s.
(Petra Holmberg, Paper Stories)
Important to know about the information in the online collection database
Leave a comment
Here you can leave a comment. You have to supply an e-mail, an alias and you have to approve the conditions.